Bøker utgitt av Hirmer Verlag GmbH

Unter Verweisen auf Soziologie und Science-Fiction brachte Peter Halley in den 1980er-Jahren frischen Wind in die Malerei. Mit Neonfarben und Roll-A-Tex-Sandtextur dekonstruierte er transzendente geometrische Abstraktionen von Beginn und Mitte des 20. Jahrhunderts zu abstrakten Zellen und Gefängnissen und verband sie augenzwinkernd durch Kanäle mit der Außenwelt.Durch die Verortung seiner Malerei in der Schnittmenge zwischen analoger und digitaler Welt greift Peter Halley viele Herausforderungen des Informationszeitalters und des französischen Poststrukturalismus auf. Hobbs' Monografie analysiert Halleys fast hermetisch verschlüsselte geometrische Kunst mit Blick auf die Möglichkeiten des Internets, die ästhetischen Optionen von Photoshop, die Aktualität der soziologischen Theorien von Michel Foucault und Jean Baudrillard sowie die ungelösten Rätsel gleichermaßen von Science Fiction und Physik.

Das Werk von Käthe Kollwitz, der international bekanntesten deutschen Künstlerin des 20. Jahrhunderts, genießt auch außerhalb Europas höchstes Ansehen. Die unverwechselbare, berührende Sprache ihrer grafischen und bildhauerischen Arbeiten ist universal verständlich und mit ihren eindringlichen Botschaften aktueller denn je.Empört über die gesellschaftlichen und sozialen Missstände ihrer Zeit, widmete sich Kollwitz ihr Leben lang der Darstellung von Menschen und gab in ihren Werken der Not und Trauer der Armen und Unterprivilegierten eine Stimme. Gleichermaßen genial im Ausdruck wie in der künstlerischen Umsetzung, griff sie Themen wie Abschied und Tod, Frieden und Kriegsleid auf. Aber auch innige Mutter-Kind-Darstellungen und Selbstbildnisse voller Kraft und Schönheit gehören zum OEuvre der Künstlerin und zeigen, wie facettenreich ihr Kunstschaffen war.

Edvard Munchs radikale Modernität der Malerei forderte die Zeitgenoss:innen heraus. Das gilt insbesondere für die Berliner Kunstszene um 1900, auf die der norwegische Symbolist großen Einfluss nahm, wo er aber auch Förderung erfuhr und sein Werk weiterentwickelte. Der Band erzählt bildreich und fundiert die Geschichte von Munch und Berlin.1892 lud der Verein Berliner Künstler den noch unbekannten Edvard Munch (1863-1944) zu einer Ausstellung ein. Die Öffentlichkeit war geschockt von den farbgewaltigen, skizzenhaften Bildern. Der Künstler genoss dieses Aufsehen und zog an die Spree, wo er bis 1908 immer wieder lebte. In Berlin bedeuteten Munchs Werke nicht nur eine Initialzündung für die Moderne. Auch die Vorstellung vom »Zauber des Nordens« (Stefan Zweig) erfuhr einen Wandel. Statt mit romantischen oder naturalistischen Fjordlandschaften verband man damit nun Munchs psychisch verdichtete Bildwelten.

Donald Ganslmeier und seine Mitstreiter in der Steilwand des Motodrom zählen zu den letzten ihrer Art. Ihre Kunst ist vom Aussterben bedroht. Der Fotograf Florian Holzherr setzt dem rasanten Leben rund um die Bretter, die die Welt bedeuten, ein bildstarkes Denkmal. Seine S/W-Fotos der waghalsigen Motorradfahrer und die Begleittexte zeigen den Mythos Steilwand auf faszinierend neue Art und Weise.Mehrere Jahre hat der Münchner Fotograf Florian Holzherr die Motodrom-Steilwandfahrer rund um Donald Ganslmeier mit der analogen Kamera begleitet. Beim Aufbau, beim Fahren, beim Abbau, beim Leben unterwegs. Herausgekommen sind Bilder, die die Geschichte einer vom Aussterben bedrohten Artistik zeigen. In beeindruckender, ungefilterter S/W-Bildsprache, begleitet von starken Texten, lässt der Band den Leser die Faszination und Leidenschaft, aber auch das Risiko erfahren und gibt Einblick in das Leben der Artisten jenseits der Show.

Gegen Ende des 18. Jahrhunderts in London entstanden, erscheint der Zirkus mit seiner Manege als eine Art Gegenwelt zum Alltag. Die bewusste Inszenierung von schönem Schein und atemberaubender Akrobatik lösten immer schon große Faszination aus. Zugleich ist diese Welt der Illusionen mit gesellschaftlichen Kontroversen und Kritik behaftet, denen sich internationale Künstler:innen und führende Expert:innen widmen.In der Welt des Zirkus war ein Bewusstsein für ethische Haltungen gegenüber Mensch und Tier lange Zeit schlichtweg nicht existent. Diskriminierung, Stigmatisierung und Unterdrückung standen auf der Tagesordnung, wie z.B. die kommerzielle Zurschaustellung der sog. "Freaks of nature" zeigt. Mit einschlägigen Essays und Werken internationaler, zeitgenössischer Künstler:innen bietet der Band den Ausgangspunkt für künstlerische, kulturhistorische, tierethische sowie rassismuskritische Untersuchungen und hinterfragt aktuelle gesellschaftliche Strukturen.KÜNSTLER:INNENKathryn Andrews | Miriam Bäckström | Istvan Balogh | Beni Bischof | Mona Broschár | Barbara Breitenfellner | Michael Dannenmann | Zilla Leutenegger | Dieter Meier | Yves Netzhammer | Tal R | Augustin Rebetez | Boris Rebetez | Ugo Rondinone | Niklaus Rüegg | Francisco Sierra | Norbert Tadeusz | William Wegman u. a.

Im Venedig der Renaissance ergründeten Meister wie Bellini, Giorgione, Palma Vecchio und Tizian das Wesen von Mensch und Natur sowie deren Verhältnis zueinander mit nie dagewesener Intensität. Anhand bedeutender Porträt- und Landschaftsdarstellungen zeigt der attraktive Band die bahnbrechenden Neuerungen der venezianischen Malerei, die bis weit in die Moderne wirkten.Die Malerei der Lagunenstadt besticht nicht nur durch die Fülle der Farben und Nuancen des Lichts, sondern auch durch das besondere Einfühlungsvermögen, mit dem sich die Künstler ihren Darstellungen widmeten. Es entstanden feinsinnige Porträts, verführerische Idealbildnisse und Historienbilder, deren eigentliche Protagonistin die stimmungsvolle Landschaft ist. Eindrücklich befragt das Buch diese Meisterwerke hinsichtlich ihrer hohen Innovationskraft, ihrer Entstehungszusammenhänge und zeitgenössischen Lesarten.KÜNSTLERGiovanni Bellini | Paris Bordone | Giovanni Cariani | Cima da Conegliano | Giorgione | Bernardino Licino | Lorenzo Lotto | Sebastiano del Piombo | Tintoretto | Tizian | Palma Vecchio u. a.

Als erstes Museum weltweit hat sich das National Museum of Women in the Arts in Washington, D.C. ausschließlich dem Engagement für Frauen mit den Mitteln der Kunst verschrieben. Die Sammlung umspannt Werke aus fünf Jahrhunderten von Künstlerinnen aus sechs Kontinenten. Der Band stellt Neuerwerbungen und langjährige Publikumslieblinge vor und führt Leserinnen und Leser dank seiner thematischen Gliederung zu überraschenden Entdeckungen.Der Katalog neuer Highlights in der NMWA-Sammlung macht kunstgeschichtliche Zusammenhänge transparent und erleichtert das Kennenlernen von Künstlerinnen. Der prachtvolle Bildband präsentiert Schlüsselwerke von Louise Bourgeois, Lalla Essaydi, Frida Kahlo, Hung Liu, Clara Peeters, Faith Ringgold, Niki de Saint Phalle, Amy Sherald, Alma Woodsey Thomas und vielen anderen. Dem Museum angehörende Autorinnen und über dreißig Gäste aus Kunst und Forschung beleuchten schlaglichtartig die einmaligen Werke und die Mission des NMWA.

Der Band fokussiert auf den politischen und kreativen Widerstand mexikanischstämmiger US-Künstlerinnen und -Künstler von 1968 bis heute. Xican-a.o.x. Body erzählt die Geschichte ihrer Kunst neu und veranschaulicht, wie diese Künstlerinnen und Künstler durch die Konzentration auf "brown bodies" die mexikanischen, US-mexikanischen und Xicanx-Erfahrungen zugrundeliegenden Konzepte hinterfragen, aufschlüsseln und problematisieren.Die Publikation bietet neue Einblicke in mehr als 50 Jahre Xicanx-Kunst und untersucht einflussreiche Werke von Kunstschaffenden, die "brown bodies" als Projektionsfläche des Widerstands in den Vordergrund stellen und sich mit den von ihnen ins Leben gerufenen kreativen Gemeinschaften gegen den systemischen Rassismus und die ausgrenzenden Praktiken von Kunstinstitutionen des Mainstreams zur Wehr setzen. Renommierte Forschende befassen sich in den Essays mit Aspekten der Verortung von Xicanx-Kunst an der Schnittstelle von Identitäts-, Rassen- und Klassenpolitik und hinterfragen die Unterscheidung zwischen "Hochkultur" und "Volkskunst".

"A Model Workshop" untersucht den viel zu wenig erforschten Einfluss Margaret Lowengrunds (1902-1957) als visionäre führende Künstlerin, Veranstalterin und Kritikerin auf die Druckgrafikszene in der Mitte des 20. Jahrhunderts auch im Licht der von ihr gegründeten New Yorker Druckwerkstatt / Galerie "The Contemporaries".Anhand des Werdegangs der Grafik in den 1950er-Jahren belegt der Band den Stellenwert von Lowengrund und The Contemporaries als einflussreicher Knotenpunkt der Druckkunst in der Jahrhundertmitte. Mit Originaltexten neben Archivdokumenten kartografiert das Buch die Aktivitäten, Netzwerke und Vermächtnisse von Lowengrund und The Contemporaries und verortet sie dabei in einer Reihe von Kontexten wie gewerkschaftlich organisierter Arbeit, Feminismus und Unternehmertum, internationalem Austausch und moderner Druckgrafik.

"Holy Smoke: Censers Across Cultures" befasst sich mit dem Einsatz von wohlriechendem Räucherwerk in religiösen Kontexten. Die Kontaktaufnahme mit dem Göttlichen durch duftenden Rauch findet sich weltweit in allen geschichtlichen Epochen, Religionen und Kulturen.Der Duft schwelenden Räucherwerks durchweht jede Tradition, sei sie polytheistisch oder monotheistisch, im Alten Orient ebenso wie im mittelalterlichen Europa. Räuchergefäße sind als sakrale Kultgegenstände allgegenwärtig, und das weltweit. Nun werden sie anhand von Fallstudien in den Kontext anderer sakraler Artefakte eingebunden. Rituelle Abläufe, die bei der Erforschung von Glauben, Kunst und Kult lange Zeit eine untergeordnete Rolle spielten, gewinnen hierdurch vermehrt an Bedeutung. Hieraus soll ein besseres Verständnis für den Stellenwert erwachsen, den die Weltreligionen sensorischen Reizen bei der Vertiefung ihrer Gebetspraktiken einräumen.Als Besonderheit ist die Publikation in Kohlepapier eingeschlagen und setzt damit den Buchinhalt in Szene. Beim Auspacken entsteht so für jedes Exemplar eine individuelle und einzigartige Einbandgestaltung des Leinens.

Lyonel Feininger (1871-1956) war Maler, Grafiker und Karikaturist. Er lehrte als Bauhaus-Meister der ersten Stunde seit 1919 in Weimar und später Dessau und übersiedelte 1937 nach New York, wo er bis zu seinem Lebensende arbeitete. Das Buch präsentiert neben seinen berühmten prismatischen Architekturdarstellungen alle Facetten seines OEuvres und Stationen seines Lebens.Mit rund 140 Gemälden, Zeichnungen, Karikaturen, Aquarellen, Holzschnitten, Fotografien und Objekten aus allen Schaffensphasen zeichnet der Band ein Gesamtbild von Feiningers Werk, das auf seine Aktualität hin befragt wird. Entwicklungslinien und Themen, die seine Arbeit bestimmt haben, werden anhand von zentralen Hauptwerken in Beiträgen internationaler Autor:innen herausgearbeitet. Eine besondere Würdigung erfahren zudem sein malerisches Frühwerk wie neueste Forschungen zur Bedeutung der Fotografie im Schaffen des Bauhaus-Meisters.

"Mark Dion and Alexis Rockman: Journey to Nature's Underworld" begleitet die erste Doppelausstellung der beiden eng miteinander verbundenen Künstler. Der Band lädt ein zu einem spannenden Panorama ökologischer Themen, die im Zentrum ihrer beider hochgelobter Arbeiten stehen, und bietet faszinierende Einblicke in die bedrohte Natur.Mark Dion und Alexis Rockman gehörten zu den ersten zeitgenössischen Kunstschaffenden, die ökologische Probleme thematisierten und vorausahnten, mit denen wir heute in epischen Dimensionen konfrontiert sind. Der Band zeigt rund 25 Skulpturen und Gemälde der beiden Künstler, dazu ausgewählte Arbeiten auf Papier und ein gemeinsam neu gestaltetes großformatiges Diorama. In der Einleitung, einem Essay von Lucy R. Lippard und einem neuen Doppelinterview geht es um unser belastetes Verhältnis zur Umwelt und um die absehbaren Folgen der herrschenden Ideologien für die Natur.

Yury Kharchenko, herausragender Vertreter zeitgenössischer Malerei, arbeitet in Werkzyklen, die seinen intensiven Bezug zu existentiellen Themen wie Dunkelheit und Licht wiederspiegeln. Virtuose Farbigkeit verbindet sich mit inhaltlicher Dichte - mal poetisch, mal lautstark - zu einer eigenständigen Bildsprache. Seine Werke der letzten sechs Jahre werden opulent und textlich fundiert vorgestellt.Verwandelt sich Erinnerungskultur in unserer Konsumgesellschaft immer mehr zu einem Entertainment Park? In einer Zeit von zunehmendem Antisemitismus und Holocaustrelativierungen zeigt sich in Yury Kharchenkos aktuellen Bildern eine für ihn neue Deutlichkeit und Vehemenz. Er benutzt das Vokabular der Popkultur, von Disney und Hollywood und mischt sie mit Gewaltfantasien, die tabuisierte Verweise auf den Holocaust enthalten. Ein künstlerisches Werk, das hinsehen lässt und aufrütteln will.

Das tibetische Mustang gilt als das »verborgene Königreich« im Himalaya. In einem über 20 Jahre dauerndem Projekt wurden die heiligen Tempelwandmalereien restauriert und gleichzeitig die buddhistischen Traditionen wieder zum Leben erweckt. Die Prachtpublikation dokumentiert mit Fotografien von Luigi Fieni und Kenneth Parker das faszinierende Projekt, die Landschaft Mustangs sowie die spirituelle und weltliche Lebensweise der einheimischen Lobas.Das Königreich Mustang mit seiner mittelalterlichen Hauptstadt Lo Monthang besticht durch seine heiligen Tempel und die kunstvollen Wandmalereien. Um dem jahrhundertelangen Verfall entgegenzuwirken, startete unter Leitung des Restaurators und Fotografen Luigi Feini ein aufwändiges Restaurierungsprojekt. Das Besondere: Dieses wurde nach einer speziellen Ausbildung durch die ortsansässigen Lobas durchgeführt. Die einzigartige Initiative führte zu einer kulturellen Renaissance und dem Fortbestand der tibetisch-buddhistischen Traditionen.

Als Pionierin von sowohl Videokunst als auch computergestütztem Videotanz erforscht die brasilianische Künstlerin, Tänzerin und Choreografin Analivia Cordeiro (*1954) seit den frühen 1970er-Jahren die Beziehungen zwischen Körper, Bewegung, visueller und audiovisueller Kunst sowie Medienkunst."Egal welches Alter, egal wie viel Tanzerfahrung, jeder kann durch Bewegung lernen." (A. Cordeiro)Analivia Cordeiro prägt seit den frühen 1970er-Jahren als eine der ersten Videokünstlerinnen die gesamte Medienkunst Südamerikas. Die Publikation präsentiert das Gesamtwerk der Künstlerin bis zur Gegenwart. Neben einem einführenden Text der Herausgeberin enthält sie ein Interview mit der Künstlerin und eine Auswahl von Texten verschiedener Autor:innen und der Künstlerin selbst. Ein umfangreicher Werkteil mit vielen Abbildungen, historischen Dokumenten und Fotografien sowie einer ausführlichen Biografie und Bibliografie vervollständigen das Buch.

Die Kunst von Arnulf Rainer (*1929) verblüfft. Die "schwarze Malhaut", mit der er vorangegangene Malereien bedeckt, ist weltberühmt. Übersehen wird dabei, dass auch Übermalungen in Rot, Blau, Grün und Weiß existieren und somit Farbe stets zu seinem Ausdrucksmittel gehörte, wie dieser Band anschaulich darstellt.Bezeichnend im Werk von Rainer ist nicht nur der Einsatz von Farbe, sondern auch die Art, wie diese aufgetragen wird, wie der vehemente Körpereinsatz seiner Hand- und Fingermalerei in den 70er und 80er Jahren zeigt. Ende dieser Periode wechselt er zu einer transparenteren Malerei und bringt die Farbe mit breiten Pinseln in Schleiern auf. Bildgewaltig präsentiert die Publikation Arbeiten aus unterschiedlichsten Serien, darunter Blattmalerei, Engel, Geologica, Goya, Landschaften, Mikrokosmos und Makrokosmos.

Imi Knoebel (*1940) gilt als Meister der gegenstandlosen Kunst. Die Monographie zur Retrospektive in der Sammlung Goetz zeigt die gesamte Bandbreite seines künstlerischen Schaffens von den 1960er-Jahren bis heute. Ein besonderes Augenmerk liegt dabei auf den formalen und inhaltlichen Verbindungen innerhalb seines Werks.Imi Knoebel ist einer der großen deutschen Künstler der Gegenwart. Er studierte an der Düsseldorfer Kunstakademie bei Joseph Beuys und fand mit seiner radikal gegenstandslosen Kunst umgehend Zuspruch. In seinen Werken verbindet sich abstrakte Malerei mit industrieller Materialität und einer seriellen Arbeitsweise. Sein in der Publikation abgebildetes OEuvre reicht von Schwarzweißfotografien, über Hartfaserbilder, Objekte aus Betonguss bis hin zu Malereien in Acryl auf Aluminium.

Gemälde, Grafiken, Skulpturen, Textilien und Möbel - Johannes Itten war ein außergewöhnlich vielseitiger Künstler, der während seiner sechs Jahrzehnte dauernden Schaffenszeit auch eine der bedeutendsten Farbenlehren des 20. Jahrhunderts hervorbrachte. Sein künstlerisches Werk wird erstmals wissenschaftlich auf der Basis von 120 000 biografischen Dokumenten und Quellen erschlossen und gegenüber dem Werkverzeichnis von 1972 um mehr als 1000 Werke aus allen Schaffensperioden erweitert. Das dreibändige Werkverzeichnis gibt mit aktuellster Provenienzforschung, Ausstellungs- und Literaturverzeichnis erstmals einen vollständigen Überblick über den künstlerischen Kosmos von Johannes Itten.Christoph Wagner lehrt als Professor für Kunstgeschichte an der Universität Regensburg. Mit seinen Forschungen zum Bauhaus und zur Kunst der Moderne ist er international hervorgetreten. Er ist gewähltes Mitglied der Academia Europaea (London).

In ihrer Wahlheimat Mexiko ist die gebürtige Leipzigerin Olga Costa (1913-1993) längst als wichtige weibliche Stimme der mexikanischen Moderne etabliert. Eindrucksvoll erschließt der Band ihr eigenständiges malerisches Werk zwischen mexikanischer und europäischer Moderne und folgt den Spuren ihres Lebens aus Deutschland in die Welt und zurück.Als Tochter eines jüdisch-ukrainischen Musikers wandert Olga Costa in den 1920er-Jahren nach Mexiko aus, wo sie sich ihre neue Umgebung als Autodidaktin malerisch aneignet. Der Alltag der Menschen und die intensiven Farben der Landschaft inspirieren sie zeitlebens ebenso wie der Dialog mit anderen künstlerischen Positionen. Nicht zuletzt Costas Auseinandersetzung mit Fragen der kulturellen Identität und des Feminismus wie ihr breites kulturpolitisches Engagement machen sie zu einer der bedeutendsten Künstlerinnen im Umfeld Frida Kahlos.